La Orquesta fue creada por Arshak Adamian y Alexander Spendiaryan y es considerada una de las orquestas principales de la desaparecida Unión Soviética y centro del entorno musical profesional de Armenia, ha realizado giras de conciertos a lo largo de Rusia, Estados Unidos, Canadá, Austria, Suecia, Noruega, Dinamarca, Polonia, Italia, Alemania, Francia, España, Portugal, Reino Unido, Irán , Emiratos Árabes Unidos, Líbano, Chipre, Grecia y Turquía, se ha presentado en diversos lugares de prestigio como el Carnegie Hall (Nueva York), el Symphony Hall (Boston), el Lincoln Center (Washington), Megaron (Atenas) y Gran Salón del Conservatorio de Moscú por nombrar algunos
En el año 2000 el Mtro. Eduard Topchjan fue nombrado director artístico de la agrupación, posición que anteriormente tuvieron directores como: Michael Maluntsian, Ruben Vardanian, David Khandjian, Valery Gergiev, Vahagn Papian, Loris Tjeknavorian y Michael Avetissian. La sede de la Orquesta es Aram Khachaturian Concert Hall.
A través de los años, múltiples personalidades destacadas del ámbito internacional se han presentado en concierto con la orquesta, incluyendo A. Melik-Pashayev, V. Ferrero, F. Konvichni, K. Masur, G. Rozhdestvensky, S. Richter, M. Rostropovich, D. Oistrakh, E. Gilels, I. Stern, L. Kogan, V. Cliburn, A. Watts, G. Kremer, V. Ashkenazy, V. Spivakov y N. Gutman, I. Faust, J. Fischer, P. Zukerman, Y. Bashmet y P. Domingo.
La Orquesta tiene la tradición de invitar a solistas de renombre, de últimos años destacan: Steven Isserlis, Francois-Joel Thiollier, David.Geringas, Nikolay Petrov, June Anderson, Kim Kashkashian, Sergey Babayan, Ani e Ida Kavafians, Bernard Ringeissen, Alexei Lyubimov, Sergey Khachatryan , Sergey Nakariakov, Renato Bruson, Isabel Bayrakdaryan, Alexander Treger, Vladimir Krainev, entre otros.
La orquesta ha expuesto la mayor parte del repertorio clásico, ha estrenando numerosas obras de compositores contemporáneos y ha realizado una serie de conciertos de óperas conocidas.
Desde 1990, la Filarmónica de Armenia ha lanzado más de 40 CDs incluidos los de etiqueta ASV, que se distribuyen por todo el mundo. Algunas de sus grabaciones fueron seleccionados por Hi-Fi, Gramophone y revistas BBC Classic CD como el Mejor Disco del Mes.
El Mtro. Eduard Topchjan inició su carrera como director en 1991 cuando, con un grupo de amigos del Conservatorio de Yerevan, creó la Orquesta de Cámara Serenade. El conjunto obtuvo rápidamente reconocimiento y se hizo acreedor de premios internacionales, además de realizar varios discos. El maestro ha sido invitado a dirigir más de cuarenta y seis importantes orquestas en Europa, Estados Unidos y Asia, y ha sido director artístico de varios festivales de relevancia. Piezas numerosas de compositores armenios han sido escritas para él. En el 2007 se ganó el título meritorio de Trabajador de Artes de Armenia. En el 2011 fue premiado con la Medalla de Oro del Ministerio de Cultura de Armenia.
En la primer parte del programa se presentó un serie de Selecciones de Espartaco de Aram Khachaturian, donde fue puesto de manifiesto su lenguaje musical único, indeleblemente marcado por su herencia armenia, en sus lectura de partituras la Orquesta destaco por su sensualidad, escritura melódica de canto, colorida orquestación, y unidad rítmica elemental.
Khachaturian es conocido en Occidente principalmente como compositor de conciertos instrumentales y ballets Gayaneh y Espartaco, su obra también abarcó sinfonías, obras para orquesta, cine y música de teatro, obras para banda, música de cámara, y un gran número de canciones patrióticas y populares.
En este concierto realizado en la Sala Nezahualcóyotl, la ejecución de la Orquesta Filarmónica Nacional de Armenia fue elegante y rítmicamente refinada, con un bagaje de sonido de vientos y de innumerables instrumentos de cuerda que aportaron un magnífico y especial color, también mostró una disposición instrumental muy interesante. El Director Eduard Topchjan dirigió de memoria, notamos como al mantener admirablemente sus fuerzas controladas, permitía dar espacio a cada sección para entablar dialogos en los distintos segmentos de la obra, creando pasajes vibrantes y vitales en cuerdas orquestales y en la sección de alientos y metales.
Espartaco es una importante composición que ocupa un lugar preponderante entre los mejores ballets del siglo XX. Pudimos escuchar líneas melódicas intensamente hermosas que parecían captar la esencia de la belleza y un carácter que por momentos permanecía etéreamente suave, a excepción de las explosiones de ira impactante, que fueron impresionantes.
Espartaco es un ballet heroico y trágico compuesto en 1956 por Aram Khachaturiam , historia que narra las vicisitudes sufridas por Espartaco y su amada Frigia, por romper cadenas de exclavitud en la antigua Roma. Consta de 3 actos y 12 escenas, nos lleva desde la rebelión de Espartaco y sus seguidores contra el poder establecido, su victoria obtenida ante legiones romanas, al reencuentro con Frigia y su trágico final a manos de Crasso y sus legiones.
Pudimos escuchar en la obra, profundidad en las ideas, un brillo muy especial en la ejecución artística, una forma y escala del arte dramático e incluso audacia en la resolución de problemas creativos reales relacionados con música contemporánea y arte coreográfico.
Después de este canto de libertad, apareció el solista Alexander Hülshoff para la ejecución de la obra de Camille Saint-Saëns (1835 - 1921), el compositor vivió tiempo suficiente para crecer desde sus primeros años como un innovador musical hasta convertirse en un conservador musical. Su primer concierto para violoncello fue escrito en 1872, cuando todavía era un innovador que tuvo ventaja de compositores "modernos" Liszt y Wagner.
El concierto escrito en forma cíclica recrea un movimiento continuo y consta de cinco movimientos: I.Allegro non troppo, II. Allegretto con moto, III. Intermezzo:Allegretto un poco agitato, IV. Romanze: Andante y V. Intermezzo:Andante. Largo e Mesto.
Dentro del concierto destacan tres secciones principales, en el inicio hay un acorde fuerte de la orquesta, e inmediatamente se escucha el violoncello, el solista expuso de forma muy elocuente la exigencia de la obra , en tono prístino y en un continuo juego-diálogo con la orquesta que siempre fue maravillosamente expresivo, sentimos suaves líneas melódicas de elevado vuelo. En la primera sección estructurada en forma sonata, pero con mayor soltura. La segunda sección es corta y en el tempo de un minué se da paso a la tercera sección, misma que recapitula algunos de los temas de la primera sección y luego introduce nuevo material antes de la final.
La belleza exuberante, altamente perfecta, emanada de ese violoncello nos hizo reflexionar en la dificultad de existencia de un “virtuoso”, en nuestra época e imaginar cuantos de ellos se encuentran en el mundo de modo “underground”, sin importante reconocimiento.
Observamos la extensión del instrumento solista y los valores de su tesitura, la media la grave y la de mayor riqueza, maravillosamente envueltas por la masa orquestal. El solista realiza en la obra un modelo de equilibrio de claridad y de maestría técnica
Concierto para violoncello y orquesta nº 1 en la menor opus 33. (1872-73), es una obra técnicamente muy exigente para el solista. Saint-Saëns realizó una exhaustiva búsqueda para explotar rangos extremos del instrumento y a la vez mantener el equilibrio entre solista y orquesta, de tal forma que el chelo siempre se puede escuchar. Se trata de una obra virtuosa, escrita por un compositor virtuoso para un chelista virtuoso, y uno de los pocos conciertos para violoncello que han logrado permanecer en repertorio.
El instrumento solista muestra un caleidoscopio de registros sin la menor dificultad en la penetración de la orquesta, históricamente muchos compositores, incluyendo a Shostakovich y Rachmaninov, consideraron este concierto como el más grande de todos los conciertos para violoncello.
Del solista Alexander Hülshoff, se refiere en su página, que sus interpretaciones se distinguen por su expresividad, aunado a un tono inconfundible, cálido y lírico, cualidades sobresalientes que pudimos admirar y que lo han distinguido en las plataformas de concierto del mundo.
Ha sido solista invitado de importantes orquestas internacionales como: Filarmónica de la Radio Alemana, Filarmónica de Estado alemán, Filarmónica Checa de Brno, Nueva Filarmónica de Westfalia, Rom Symphony Orchestra, Filarmónica de Enescu, Tel Aviv Solista Ensemble, Orquesta Sinfónica de Limburgo de Maastricht, Filarmónica de Armenia , entre otras.
Ha actuado al lado de Pinchas Zukerman, Hagai Shaham, Vadim Gluzman, Bellas Artes Quartett, Gil Sharon, Rainer Honeck, Boris Garlitsky en salas de concierto de renombre como la Filarmónica de Berlín, el Concertgebouw de Amsterdam, Rotterdam de De Doelen y el Wigmore Hall de Londres. Ha sido instrumentista invitado en Festival de Schleswig-Holstein, Festival Enescu, Kfar Blum en Israel y en Festival de Amadeo. Es director artístico del Festival de Música de Cámara Kamp Kloster.
Después de dejarnos anonadados, la sala reacciono con un torrente de aplausos, y nos obsequio un encore de Bach, que también fue inmensamente aplaudido.
Posteriormente la orquesta expuso la Sinfonía n 6 en si menor op. 74, Patética de Tchaikovsky, con tan espléndida orquestación para una gran obra sinfónica, seguramente ustedes podrán imaginar el inolvidable suceso
Esta composición es considerada la mas grande de sus sinfonías, donde un último movimiento comienza con un gran grito y concluye con un gemido, muestra la mejor inspiración del compositor.
Días después de escribir esta composición Tchaikowsky había de morir, la Sinfonía ha suscitado diversos comentarios, incluso una interpretación habla de una retrospectiva autobiográfica, que desemboca en un réquiem para sí mismo, resultante de una premonición que el compositor posiblemente habría tenido de su próximo final.
1-Adagio-Allegro ma non troppo.La sexta Sinfonía comienza con un Adagio que expone un tema inexorablemente lúgubre, tema que lanzará al allegro, cuya carrera anhelante se cargará de resonantes clamores. El contraste con el segundo tema es tocado por los violines, siendo una melodía abiertamente de sentimiento. El tema expira en un largo diminuendo bruscamente cortado por un choque orquestal de temible violencia.
El desarrollo a partir de aquí es una verdadera tragedia musical que alcanza varias cumbres sonoras sucesivas, casi siempre en los temibles trombones. Dramáticamente, el momento culminante de dolor es aquel en que toques majestuosos y temibles resuenan en diversos registros de trombones. Se vuelve aquí a escuchar la voz del fatum. Trágicos y dolorosos golpes de las cuerdas y de metales arrasan con todo y dejan en el oyente un sabor francamente amargo y un clima terriblemente desolador. Es uno de los mayores gritos de dolor de toda la historia de la música sinfónica.
E Inmediatamente después se retorna a una efusión lirica del segundo tema y a la unión con la coda, en la que la repetición lenta descendente en pizzicato nos deja sobre un último efecto obsesivo. Es un primer movimiento estremecedor y momento estelar en la historia de la música.
2-Allegro con grazia. movimiento que aporta un descanso y distensión después del amargo primer tiempo. Es un vals de una melodía suave y elegante. La despreocupación no es total, ya que en la parte central volvemos a encontrar un tema próximo al del primer movimiento, con un motivo descendente cuya irregularidad rítmica es muy presente.
3-Allegro molto vivace, el scherzo es un movimiento de impulso continuo, sin instantes de reposo, donde todo esfuerzo van dirigido hacia una intensificación progresiva del volumen sonoro y del ritmo. El ritmo es un poco similar al de tarantela. Es una marcha rígida, que se extiende progresivamente hasta alcanzar casi la totalidad de los efectos orquestales. Pese a que Tchaikovsky habla de él como un tema solemnemente jubiloso, lo sentimos como portador de una fuerza elemental, temible y destructora.
4- Adagio lamentoso, comienza con tema desgarrador en los violines, seguido de una respuesta que aporta un poco de recogimiento religioso. En la parte central aparece un segundo tema de una resignación dulce y triste, impregnado de pesar que llega hasta el paroxismo de una dolorosa tensión. El final, es introducido por un grave coral de los instrumentos de metal que hace pareja con el extraído del réquiem escuchado en el movimiento inicial. Un recuerdo del segundo tema, en modo menor, se borra al descender hacia el extremo grave de la cuerda, llevando la sinfonía hasta un clima sonoro parecido a aquél en que nació la introducción, recubriéndola de un velo fúnebre. Una sinfonía sobrecogedora, perfecta fusión de música y sentimiento, de notoriedad romántica
Un concierto memorable nos otorgó la Orquesta Filarmónica Nacional de Armenia con motivo de conmemoración de centenario del “Genocidio Armenio”: exterminación sistemática y planeada ocurrida entre 1915 y 1917 por el Imperio Otomano y el estado de Turquía durante el transcurso de la Primera Guerra Mundial, en que 1 y 1.5 millones de personas inocentes perdieron la vida. Sin embargo se ha encubierto e incluso negado este suceso. A este hecho antecedieron masacres realizadas por el Sultán Hamid II en las que murieron mas de 100 mil armenios y la de Adana (1909) en que murieron 30 mil personas mas.
El concierto in memoriam, prevé que por medio de la música pueda lograrse un cambio y llegue a reconocerse la tragedia armenia, y sea valorada en su magnitud histórica. También busca que ocurra un cambio en las relaciones políticas que han condenado este suceso a la invisibilidad cultural.
Continuemos reflexionando alrededor de este tema , sobre la sangre que se hace deslizar a veces tan lejos de su lugar de toda clase de seres, por causas injustas e incongruentes.
Este concierto se realizo el día jueves 14 de mayo a las 20:30 hrs. en Sala Nezahualcóyotl del Centro Cultural Universitario
Compartimos unas líneas mas...
Nunca olvidaré las caritas de los niños, cuyos cuerpos
vi convertir en guirnaldas de humo bajo un cielo azul silencioso
nunca olvidaré esas llamas
que consumieron mi fe para siempre
Elie Wiesel, Night
Polyphony Journal